สำหรับเนื้อหาในฟีเจอร์นี้ ผมจะสะท้อนเรื่องราวเกี่ยวกับแจ๊สเบส — Jazz Bass — และนักดนตรีหลักอย่าง Mingus, “Maestro” Ron Carter และ Israel Crosby ซึ่งมีรีวิวอยู่ด้านล่างของบทความ ทั้งหมดล้วนมีส่วนสำคัญต่อวิวัฒนาการของดนตรีแจ๊ส ผลงานของพวกเขาปูทางให้เสียงใหม่ๆ โดดเด่นขึ้นมา รวมถึงศิลปินบางคนที่เลือกเพลงในบทความนี้และเนื่องจากเรากำลังพูดถึงเครื่องดนตรีอย่างเบส ซึ่งมีวิถีดนตรีแจ๊สที่ค่อนข้างซับซ้อน โชคดีที่สุดที่จะมีผู้เชี่ยวชาญจำนวนมากมาเลือกอัลบัมของ — มือเบสแจ๊ส — โดยได้พูดถึงอัลบัมโปรดของพวกเขาให้เราฟังว่าเป็นอย่างไร
เคยมีคลิปวิดีโอที่เผยแพร่บนโซเชียลมีเดีย Charles Mingus มือเบสแจ๊สที่โด่งดังที่สุดตลอดกาล ถูกตั้งคำถามว่า “คุณพูดอะไรผ่านเครื่องดนตรีบนเวที” คำตอบของเขาดูหยาบคายและตลกขบขันไม่เหมาะที่จะพิมพ์ที่นี่แต่เหมาะสมกับสิ่งที่เรียกว่า “คนขี้โมโหแห่งวงการดนตรีแจ๊ส”
ผมมักจะสงสัยว่าทัศนคติของ Mingus เป็นเพียงแนวทางของเขา หรือว่าเขารู้สึกถูกประเมินค่าต่ำเกินไป เมื่อเทียบกับนักดนตรีคนอื่นๆ ในสมัยของเขา โดยทั่วไปแล้ว มือเบสไม่ใช่หัวหน้าวงดนตรี มิงกัสเป็นคนผิดปกติ และนั่นทำให้ผมคิดถึงองค์รวมของแจ๊สเบส แม้ว่ามันอาจจะเป็นเครื่องดนตรีที่ไม่มีใครรู้จักมากที่สุดในบรรดาเครื่องดนตรีทั้งหมด หากไม่มีเบสไม่ว่าดนตรีประเภทใดก็ไม่สามารถสะท้อนองค์ประกอบออกมาได้
เพลิดเพลินกับการฟังเพลงที่เน้นเสียงเบส คุณสามารถค้นหาเพลย์ลิสต์ได้ที่ด้านล่างของบทความ และอย่าลืมเลือกเพลงที่คุณชอบ บอกกับเราว่าคุณชอบแจ๊สเบสเพลงไหนบ้างเพราะอะไร มาแลกเปลี่ยนกันได้ในคอมเม้นต์
Luke Stewart: มือเบส หัวหน้าวง และนักแต่งเพลง แนะนำ Jazz Bass
“El Haris (Anxious)” โดย Ahmed Abdul-Malik
เริ่มต้นเพลงขึ้นมาอย่างเข้มข้นเหมือน Just Blaze จากนั้นจึงมาสู่เมโลดีที่เรียบง่ายแต่ทรงประสิทธิภาพก่อนที่จะพาคุณไปสู่การเดินทางที่ไม่คาดคิดในตัวมันเอง Abdul-Malik สำรวจแนวคิด “East Meets West” ในการผสมผสานดนตรีแจ๊สและดนตรีของตะวันออกกลางในช่วงสองสามอัลบั้มของเขา อย่างไรก็ตาม เพลง “Jazz Sahara” เพลงนี้ประสบความสำเร็จมากที่สุดเพลงหนึ่ง และเป็นดนตรีที่ทรงพลังที่สุดของ Johnny Griffin มันมีความโดดเด่นที่สุดในอัลบั้มนี้ โดยทำให้เรารู้อีกครั้งว่าเขาคือ Little Giant ด้วยเสียงแซ็กโซโฟนที่สูงตระหง่านเหนือวงดนตรี ขณะที่เบสคืบคลานเข้ามาพร้อมกับล้อเมโลดีเพลงก่อนหน้านี้
สถานีวิทยุ WPFW 89.3FM ใน DC แนะนำให้ผมรู้จักกับ Jamal Muhammad รวมทั้งอัลบั้มของ Johnny Griffin “Change of Pace” และอัลบั้ม Abdul-Malik ที่ตั้งคำถามแรกด้วยการประสาทพรให้ผมด้วยข้อมูลเชิงลึกเกี่ยวกับนักดนตรีและความหมายที่ไม่ลึกซึ้งเกี่ยวกับชื่อเพลง
อาห์เหม็ด อับดุล-มาลิก เรียกตัวเองเป็นยักษ์โซนิก ควบคุมเบสและวงดนตรีด้วยจินตนาการ เขามีวิสัยทัศน์ที่สร้างการทำงานร่วมกันอย่างแท้จริงของวงดนตรีแจ๊สของสหรัฐฯ โดยทั่วไปวงดนตรีของอียิปต์ การกำหนดแนวทางดนตรีแบบนี้ และโดยเฉพาะแทร็กนี้ ทำงานได้ดีที่สุดในมุมมองของผม หนึ่งในโซโลเบสที่ผมชอบคือเพลงของเขาในเพลงดังกล่าว การบันทึกเสียงหนึ่งปีหลังจากเพลงคลาสสิก “Night at the Village Vanguard” โดยมี Sonny Rollins มีการโซโลเบสโดย Wilbur Ware ในเพลง “Softly, as in a Morning Sunrise” เพลงเดี่ยวของ Abdul-Malik ที่เล่นแล้วทำรู้สึกเหมือนเป็นการตอบรับ นี่คือจุดที่เขาสามารถนำทัพหน้ามาที่พีระมิดได้เลย
Ron Carter: มือเบสและหัวหน้าวง — Jazz Bass —
“But Not for Me” โดย Ahmad Jamal Trio
ไลน์เบสของ Israel Crosby แสดงที่ “At the Pershing” ในชิคาโก มีความสำคัญไม่ใช่แค่เพราะเขาเล่นเพลงนี้ แต่เพราะเขาทำให้ Ahmad เล่นแบบนั้นด้วย เขาทำให้นักเปียโนไม่เล่น จากนั้นเป็นต้นมา ผู้เล่นเบสทุกคนจะต้องเรียนรู้ไลน์เบสตลอดทั้งเพลง — นักดนตรีที่เล่นใน Motel 6 ทุกคน และนักดนตรีที่เล่นใน Birdland ทุกคน จะต้องรู้จักมันเพราะมันได้รับความนิยมมาก — รวมถึงคุณด้วย และเขาทำให้ Ahmad Jamal มีความสำคัญต่อชุมชนดนตรีมากยิ่งขึ้น
Camille Thurman: นักแซ็กโซโฟน นักร้องนำ และนักการศึกษา
“Christina” โดย Buster Williams
เสียง ความรู้สึก สัมผัส และไอเดียของ Buster Williams พาไปยังจุดที่ฉันหลงรักเสียงเบสซ้ำแล้วซ้ำเล่าอีกครั้ง เขาเป็นหนึ่งในผู้ริเริ่มการเล่นเบสแจ๊สสมัยใหม่ (อีกคนคือรอน คาร์เตอร์) แนวทางฮาร์โมนิกของเขามักจะก้าวข้ามขอบเขต ท้าทายความธรรมดาทั่วไป ขณะเดียวกันก็ให้ความรู้สึกสดชื่นและลึกซึ้งทางอารมณ์ ไม่ว่าจะเป็นการฟังผลงานเพลงต้นฉบับของเขา
“Christina” (จาก “Something More” เล่นร่วมกับ Herbie Hancock, Wayne Shorter, Al Foster และ Shunzo Ohno) หรือการเรียบเรียงเพลง “I Didn’t Know What Time It Was” การเล่นของเขาคือ ตัวอย่างของอิสรภาพ หัวใจ และแรงผลักดันที่ไร้ขีดจำกัด เขาทำให้เบสเป็นจุดโฟกัสของวง โดยเดินตามไลน์เบสที่ไพเราะที่สุดในขณะเดียวกันก็ให้รากฐานจังหวะและฮาร์โมนิคที่หนักแน่นของวงไปพร้อมๆ กัน เสียงของเขาราวกับอ้อมกอดขนาดยักษ์ อบอุ่น เข้มข้น และอิ่มเอมใจ ฉันยิ้มด้วยความประหลาดใจทุกครั้งที่ได้ยินเขาเล่น คุณไม่สามารถรับเสียงของ Buster ได้เพียงพอ!
เขาสานต่อเส้นเสียงเบสที่สร้างสรรค์ สวยงาม ผสมผสาน และล้ำหน้าที่สุดเท่าที่จะจินตนาการได้ คุณสามารถฟังสิ่งนี้ได้ใน “Christina” จากการได้ยินเสียงโน้ตตัวแรกที่เล่นก็รู้ทันทีว่าเป็นบัสเตอร์ เขาสื่อถึงความสง่างาม ความงดงาม ลีลาอันสวยงาม ความประณีต และความอ่อนไหว โดยพาผู้ฟังไปสู่การเดินทางผจญภัยทางดนตรี
Angélika Beener: ดีเจ นักเขียน และพิธีกรพอดแคสต์
“For Love (I Come Your Friend)” โดย Thundercat
มีเพลงหนึ่งเกี่ยวกับการเปิดตัวที่ก้าวหน้าอย่างมากของ Stephen (Thundercat) Bruner “The Golden Age of Apocalypse” ที่ยังคงทำให้ฉันหลงใหล เมื่อฟังซ้ำโดยบินข้ามคืนจากนิวยอร์กไปยังมาดริดด้วยเครื่องบินที่เกือบจะว่างเปล่า ฉันนอนอยู่บนที่นั่งท่ามกลางความมืดอันเงียบสงบ มันพาฉันไปไกลเกินกว่าระยะทางหลายไมล์ที่ทอดยาวไปสู่เมืองทั้งสอง น่าแปลกที่มันเป็นอัลบั้มเดี่ยว “For Love (I Come Your Friend)” ที่เขียนและบันทึกเสียงโดย George Duke ผู้ยิ่งใหญ่แห่งดนตรีแจ๊สฟิวชั่น
การตีความของ Thundercat ซึ่งร่วมอำนวยการเพลงโดย Flying Lotus ช่วยเพิ่มความงดงามของเพลงด้วยการขับเน้นเป็นชั้นๆ ความกลมกลืนที่งดงาม วลีแปลกๆ ที่ผันผวน (รูปแบบจังหวะที่เป็นเอกลักษณ์ของวลี 14-10-12) และแผ่นพื้นผิวที่เว้นวรรคเกือบจะแซงหน้าคุณ เมื่อมันเคลื่อนที่ด้วยความเร็วสูง เช่นเดียวกับในต้นฉบับของ Duke ในปี ค.ศ. 1975 สิ่งที่ Thundercat ทำโดยดึงจังหวะกลับคืนมาในครึ่งแรกคือการเปิดเผยเกี่ยวกับเสียง
เริ่มต้นด้วยการเต้นรำช้าๆ อย่างไม่มีตัวตนระหว่างเบสและซินธ์ที่วิบวับ ต่อจากนั้น เสียงสูงที่ได้รับแรงบันดาลใจจาก Duke ของ Thundercat ตัดกับโทนเสียงเบสอันมหึมาของเขา ทำให้เกิดการทำสมาธิในรูปแบบจักรวาลที่บรรจบกับพายุ พวกเขาใช้เสียงคอรัสและเสียงร้องแบบแซนส์อีกครั้ง โดยทุกตัวเลือกโน้ตเขาจะทำให้เสียงสะท้อนทางอารมณ์ลึกซึ้งยิ่งขึ้น
เมื่อเสียงร้องของเขากลับมา คราวนี้ประสานกันอย่างแน่นหนา โดยให้เกียรติกับจังหวะของต้นฉบับ แต่ใช้มันเป็นจุดไคลแม็กซ์มากกว่า Thundercat เล่นโซโลเบสที่ไพเราะที่สุดเท่าที่เคยมีมา มีการบรรเลงดนตรีมากกว่า 4 เพลง ซึ่งขณะนี้มีกลองผุดขึ้นมาด้วย เป็นการขุดค้นโครงสร้างของผลงานชิ้นเอกของ Duke ซ้ำแล้วซ้ำเล่า จนกระทั่งในที่สุดเราก็ล่องลอยไปสู่นิรันดร์
Tonina Saputo มือเบสและนักร้องนำ — Jazz Bass —
“Yesterday Princess” โดย สแตนลีย์ คลาร์ก
ตั้งแต่วัยเด็ก ฉันชื่นชมมือเบสที่เชี่ยวชาญระหว่างขอบเขตของการร้อง เพลงร้องและการร้องเพลงด้วยเสียงเบส เพลง “Yesterday Princess” ของสแตนลีย์ คลาร์กโดดเด่นในฐานะเพลงเดียวในอัลบั้มชื่อตัวเองในปี ค.ศ. 1974 เขาใช้เสียงร้องเป็นแนวแจ๊สเบสแนวแรกๆ ที่อยู่ในใจฉัน Clarke เปลี่ยนเสียงเบสของเขาให้กลายเป็นนักเล่าเรื่องอันไพเราะได้อย่างง่ายดาย เป็นการถ่ายทอดข้อความรักของเขาถึงเจ้าหญิงวัลแคน โทนเสียงแหลมช่วยเสริมบุคลิกของเบส โดยทำหน้าที่เป็นเสียงเพิ่มเติม กระโดดระหว่างเสียงที่ห้า
ในยุค 70 เราได้เห็นเบสมีบทบาทที่โดดเด่นและอ่อนโยนมากขึ้นในวงดนตรี มันแตกต่างออกไปจากสไตล์การเล่นที่โดดเด่นและไม่สละสลวยแบบการเล่นทั่วๆ ไป ผู้ฟังส่วนใหญ่คุ้นเคยกับการได้ยินในทศวรรษก่อนๆ ของดนตรีแจ๊ส เพลงนี้สำหรับฉันแสดงถึงการถือกำเนิดของเทคโนโลยีเบสไฟฟ้า ผู้เล่นเบสสามารถควบคุมโทนเสียงและโทนเสียงของเครื่องดนตรีได้มากขึ้น สิ่งนี้ทำให้ท่วงทำนองไม่เพียงแต่สามารถได้ยินมากขึ้นเท่านั้น แต่ยังสามารถเล่นบนเบสได้ง่ายขึ้นอีกด้วย
ฉันพอใจที่นักดนตรีแจ๊สในปัจจุบันแสดงความเคารพต่อบทประพันธ์ของ Stanley Clarke และแสดงเพลงนี้ หนึ่งในการเล่นที่ฉันชอบคือ การเล่นของ Yussef Dayes โดย Rocco Palladino ได้เพิ่มสัมผัสของเขาบนไลน์ด้วยแป้นเหยียบอ็อกเทฟ ฉันยังรวมเพลงนี้ไว้ในองค์ประกอบเพลงของฉันด้วย เพลงนี้มันบ้าไปแล้ว
Sélène Saint-Aimé: มือเบส นักร้องนำ และนักแต่งเพลง — Jazz Bass —
“Jive Rhapsody” โดยวง Duke Ellington Orchestra
ฉันเจอบันทึกนี้ขณะศึกษาประวัติศาสตร์ของนักค้าเบสชาวอเมริกันผิวดำเมื่อหลายปีก่อน ฉันพยายามมองย้อนกลับไปให้เร็วที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ และชื่อของ Alcide Pavageau, Wellman Braud หรือ Walter Page ก็ปรากฏขึ้นอย่างรวดเร็ว เช่นเดียวกับ Jimmy Blanton’s
สิ่งที่ทำให้ฉันสั่นคลอนในเรื่องราวของ Blanton ก็คือเขามีเวลาอันสั้นในการพัฒนาวิชาชีพตั้งแต่ปี ค.ศ. 1938 ถึง ค.ศ. 1941 ก่อนที่เขาจะเสียชีวิตด้วยวัณโรคเมื่ออายุ 23 ปี ในปี ค.ศ. 1942
ที่นี่ Blanton ไม่เพียงแต่เล่นประกอบเท่านั้น แต่ยังเล่นดนตรีประกอบจังหวะอีกด้วย ตอนที่ฉันได้ยิน “Jive Rhapsody” ครั้งแรก ฉันจำได้ว่าคิดว่ามันทำให้นึกถึงเพลงที่ Oscar Pettiford ในเวลาต่อมาจะเล่นบนบริดของ “Bohemia After Dark” ซึ่งเป็นคอนเซ็ปต์เดียวกันของท่วงทำนองที่เป็นจังหวะ แต่คราวนี้อยู่ในชั้นที่ต่างออกไป ฉันชอบความรู้สึกที่เข้มข้นของเพลงกรู๊ฟและออสตินาโต ซึ่งสำหรับฉันแล้ว มันช่วยหวนคืนรากเหง้าของแอฟริกาตะวันตกอย่างไม่อาจปฏิเสธได้
เส้นทางของ Jimmy Blanton เป็นแรงบันดาลใจอย่างมากสำหรับนักเล่นเบสเช่นตัวฉัน ตั้งแต่ความสมบูรณ์ของเสียงไปจนถึงการสำรวจความไพเราะและฮาร์โมนิกอันงดงาม และแน่นอนว่า การมีส่วนร่วมสำคัญของเขาในการสร้างซาวด์ในหนึ่งวงดนตรีที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์: the Duke Ellington Orchestra
Shana L. Redmond: นักวิชาการ
“Boomerang” โดย Marcus Miller
มันอาจเป็นฉากทิ้งขว้างใน “Boomerang” (1992) หากไม่ใช่สำหรับดนตรี มาร์คัส เกรแฮม (เอ็ดดี้ เมอร์ฟีย์) ผู้เงียบขรึมและคิดใคร่ครวญ — ตัวละครหลักของเพลย์บอยที่เพิ่งละทิ้งเขาไปโดยเพลย์เกิร์ลเจ้าเล่ห์พอๆ กัน — มองนอกกล้อง เราไม่รู้ว่าไปถึงจุดไหน แต่ท่อนเสียงเบสตอนเปิดเพลงเหนือซินธ์ที่ยาวขึ้นดึงผู้ฟังเข้ามา ส่งผลให้คนๆ หนึ่งคิดว่าฉากนั้นจะสร้างละครขึ้นมา แล้วมันก็จบลง ด้วยเวลาเพียง 15 วินาที
เวลานั้นไม่เพียงพอที่จะรู้ว่าดนตรีกำลังบอกอะไรเรา หรือฟื้นตัวจากสิ่งที่ทำเสร็จแล้ว แต่ Marcus Miller ผู้ทำดนตรีประกอบภาพยนตร์เรื่องนี้ รับรองว่าเพลงนี้จะคงอยู่ในสองรูปแบบในอัลบั้ม “M²” (2001) ของเขา ได้รับรางวัลแกรมมี่ประจำปี ค.ศ. 2002 สาขาอัลบั้มแจ๊สร่วมสมัยยอดเยี่ยม Miller เป็นนักดนตรี นักแต่งเพลง และโปรดิวเซอร์ที่มีนักดนตรีหลายท่านเคยร่วมงานกับตำนานดนตรีแจ๊สและเพลงยอดนิยม รวมถึง Herbie Hancock, Miles Davis และ Luther Vandross ซึ่งเพลง Never Too Much (1981) ประทับใจกับการเล่นเบสอันเป็นเอกลักษณ์ของเขา.
เพลงสุดท้ายของ “M²”, “Boomerang Reprise” เป็นเพลงสั้นๆ ที่มีความยาวเพียง 1:54 นาที แต่สร้างผลกระทบในช่วงเวลาที่มีน้อยนิด โดยมีไลน์เบสหลายสายที่กรู๊ฟและติดอยู่ในเพลง บางเพลงอาจไม่ได้จัดเป็นเพลงแจ๊สในทันที อย่างไรก็ตาม มันแสดงให้เห็นถึงส่วนผสมระหว่างสไตล์และเทคนิคที่เกิดขึ้นและกลับมา “เหมือนบูมเมอแรง”
Syd Schwartz: นักเขียน
“Gloria’s Step” โดย the Bill Evans Trio
นักเปียโน Bill Evans, มือเบส Scott LaFaro และมือกลอง Paul Motian ได้เปลี่ยนกฎเกณฑ์การมีส่วนร่วมในวงดนตรีแจ๊สทรีโอไปตลอดกาล ด้วยการพลิกโฉมบทบาทของศิลปินเดี่ยวและนักดนตรีประสาน แนวทางฮาร์มอนิกที่เป็นหนึ่งเดียวของพวกเขาช่วยดึงส่วนจังหวะออกมาจากเงามืด มันสร้างสมดุลของกลุ่มที่ขยายความเป็นไปได้ในการสนทนาและการแสดงด้นสด
“Gloria’s Step” เป็นบทกวีของ LaFaro ที่กล่าวถึง Gloria แฟนสาวของเขา เมื่อเธอกลับบ้านที่อพาร์ตเมนต์ชั้นบนของพวกเขา โทนเสียง เทคนิค และความมีชีวิตชีวาในวัยเยาว์ทำให้เพลงนี้กลายเป็นมาสเตอร์คลาสในการแสดงออกถึงเสียงเบส
แม้กระทั่งก่อนที่จะโซโลเบสที่น่าประทับใจของ LaFaro ดนตรีก็เป็นเสียงที่ไพเราะและแกว่งไปมาตามแนวการปกครองแบบประชาธิปไตย เมื่อผู้นำการอิมโพไวส์เริ่มเล่น ผู้เล่นสนับสนุนจะเปลี่ยนเป็นการเล่นที่มีลักษณะคล้ายพึมพำ ไม่ต่างจ้าฝูงนกที่บินด้วยการเคลื่อนไหวที่ประสานกันอย่างประณีต หรือการเปลี่ยนทิศทางเหมือนปฏิบัติการของรังผึ้ง
ขณะที่อีแวนส์ ลาฟาโร และโมเชียนเฉลิมฉลองการมาถึงของกลอเรีย พวกเขาสร้างภาพลวงตาที่น่าทึ่งของนักดนตรีคนหนึ่งในสามร่าง – น้ำตกที่แกว่งไปมาบนท่วงทำนองที่ไพเราะ “Gloria’s Step” เป็นเพลงเปิดของอัลบัม “Sunday at the Village Vanguard” เป็นการบันทึกเสียงครั้งสำคัญที่อยู่ในห้องสมุดดนตรีแจ๊สทุกแห่ง 10 วันให้หลังการแสดงที่ Village Vanguard อุบัติเหตุทางรถยนต์อันน่าสลดใจทำให้ LaFaro เสียชีวิต ส่งผลให้วงทรีโอของพวกเขาต้องออกอัลบัมเร็วก่อนกำหนดและออกอัลบั้มต่อมา “Waltz For Debby” จนนำไปสู่จุดสูงสุดของความสำเร็จของพวกเขา
Adi Meyerson: มือเบสและนักแต่งเพลง
“But Not for Me” โดย the Ahmad Jamal Trio — Jazz Bass —
ความรู้เกี่ยวกับ Israel Crosby เกือบจะเหมือนกับการเป็นส่วนหนึ่งของสโมสรลับสำหรับเด็กสุดเจ๋ง ผู้รู้ก็รู้.. และเมื่อผู้คนรู้เรื่องนี้ จะไม่มีทางย้อนกลับไปได้อีก จริงๆ ฉันรู้ว่าพวกเขาพูดแบบนี้กับหลายๆ คน แต่ฉันรู้สึกว่าปลอดภัยที่จะบอกว่าเขาล้ำหน้าอย่างแท้จริง
มันยากสำหรับฉันที่จะนึกถึงมือเบส ฉันมักจะกลับมาฟังผลงานบันทึกเสียงของ Ahmad Jamal โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพลงนี้ ไม่ว่ารสนิยมดนตรีแจ๊สของฉันจะเปลี่ยนไปแค่ไหนก็ตาม เขาเป็นสร้างคำจำกัดความของเสียงที่เป็นผู้นำในหนังสือของนักเล่นเบส มีครบทุกอย่าง ทั้งจังหวะ ทำนอง การประสานเสียง และองค์ประกอบของความประหลาดใจ
อาจจะฟังดูเหมือนเขาเล่นเบสโซโลตลอดทั้งเพลง สิ่งที่ฉันพบว่าสวยงามและน่าดึงดูดที่สุดเกี่ยวกับแทร็กนี้คือพื้นที่ที่นักดนตรีแต่ละคนมอบให้ซึ่งกันและกัน ซึ่งช่วยให้บทสนทนาและเส้นเสียงเบสเปล่งประกายออกมาได้อย่างแท้จริง ฉันจำได้ว่าได้ยินเพลงนี้เป็นครั้งแรก และมันก็ทำให้ทึ่ง ฉันคงเล่นท่อน A แรกระหว่างโซโล่เปียโนมาแล้ว 20 ครั้ง เราโชคดีที่ได้เห็นพรสวรรค์ของเขา แม้จะเขามีอายุเพียง 43 ปีก็ตาม
Marcus J. Moore: นักเขียนแจ๊ส
“Choma (Burn)” โดย Harold Land — Jazz Bass —
ผมคิดว่าการใช้สารลิตมัสเพื่อทดสอบความเป็นกรดหรือด่างสำหรับมือเบสหรือนักดนตรีคนใดก็ตาม ข้อเท็จจริงก็คือ ความสามารถที่จะยืนระยะในขณะที่สิ่งต่างๆ รอบตัวพวกเขาวุ่นวายมากขึ้น คือจุดที่สำคัญที่สุด ผมขอชื่นชมการแสดงของเรจจี้ จอห์นสันในเพลง Choma (Burn) โดยแฮโรลด์ แลนด์ ซึ่งเป็นเพลงไตเติ้ลอันวุ่นวายของอัลบั้มของนักเป่าแซ็กโซโฟนในปี ค.ศ. 1971
จอห์นสันเปิดเพลงและวางรากฐานให้กับเพลงนี้ โดยปูทางให้วงดนตรีของ Land (รวมถึง Bobby Hutcherson ผู้เล่นไวบราโฟนร่วมกับวงบ่อยครั้ง) พวกเขาปักหลักของเสียงไว้ด้านบน เช่น การระเบิดภูเขาไฟของกลอง ฟลุต และเปียโน แม้ว่าองค์ประกอบจะขึ้นและลงเป็นเกลียว แนวเสียงเบสของ Johnson ก็ยังคงค่อนข้างนิ่ง โดยยึดแทร็กที่อาจกระโดดข้ามทางได้ แต่มันก็ไม่เคยทำ ในช่วงเวลาที่เข้าสู่ดนตรีฟรีแจ๊ส Land ก็นำมันกลับมาอีกครั้ง ทำให้จอห์นสันมีพื้นที่ในการสะท้อนดนตรี และที่นั่น เขายังคงไม่ขยับเขยื้อน กำลังดึงเอาไลน์เบสแบบเดียวกับที่พาผมไปสู่จุดนั้นตั้งแต่แรก
Ulysses Owens Jr.: มือกลอง นักเขียน และพิธีกรรายการวิทยุ
“Cherokee” โดย Christian McBride Trio — Jazz Bass —
มือเบสแจ๊สหลายคนเล่นโดยใช้การเคลื่อนไหวของคอร์ดแต่ละคอร์ด และสร้างไลน์เบสสำหรับการเดินที่สวยงาม ซึ่งเป็นรากฐานที่วงดนตรีสามารถบรรลุบทบาทและจุดประสงค์ทางดนตรีได้ จากนั้นก็มีคริสเตียน แม็คไบรด์ อัจฉริยะแจ๊สเบสโดยกำเนิดจากฟิลาเดลเฟีย ผู้วางรากฐานนั้นไว้อย่างชัดเจน เพิ่มเติมด้วยเวทมนตร์อันน่าทึ่งที่เป็นคู่แข่งกับนักเปียโนและผู้เล่นฮอร์นที่เก่งที่สุด (รวมถึงอดีตผู้นำวงของเขาอย่างเฟรดดี้ ฮับบาร์ดด้วย)
ใน “Cherokee” เป็นอัลบั้มที่สองของเขากับทั้งสามคน “Live at the Village Vanguard” McBride เลือกที่จะไม่เล่นเมโลดี้ในส่วน A โดยเผยให้เห็นไลน์เสียงเบสที่เดินเร็วแทน จากนั้นจึงเปลี่ยนไปเป็นจังหวะ 3/4 ที่ บริดจ์ก่อนจะกลับเข้าสู่สายเบสเดินเร็วที่ท่อน A สุดท้าย McBride ขับเคลื่อนบทเพลงและไม่ยอมแพ้ ด้วยจังหวะเวลาที่สมบูรณ์แบบและไม่มีความเบี่ยงเบน
สำหรับผม จุดเด่นของการแสดงเพลง “Cherokee” ของ McBride คือมือเบสที่โซโล่/แลกกับกลองที่เต็มไปด้วยความคิดสร้างสรรค์และการทำงานร่วมกันกับวง มีช่วงเวลาหนึ่งในการแสดงเดี่ยวที่เสียงกลองแตก และ McBride แสดงให้โลกเห็นว่าเหตุใดมือเบสจำนวนนับไม่ถ้วนจึงพบความซับซ้อนและสับสน หรือทั้งสองอย่างจากอัจฉริยะทางดนตรีของเขา
McBride ถ่ายทอดเสียง ความรู้สึก และน้ำเสียงได้อย่างง่ายดาย พร้อมรอยยิ้มกว้างซึ่งกลายมาเป็นเครื่องหมายการค้าของเขาพอๆ กับการเล่นที่ปฏิวัติวงการ ผู้ชายคนนั้นไม่ได้เล่นโน้ตผิด
Cassie Watson Francillon: นักฮาร์พและศิลปิน
“Lonesome Lover” โดย Max Roach — Jazz Bass —
สิ่งที่ฉันเป็นคือ มีความสามารถสัมผัสคุณได้ก่อนที่จะเห็นว่าคุณกำลังเล่นหรือมีคนประกาศว่าใครอยู่ในคอนเสิร์ต เพลงนี้ทำเพื่อ Art Davis คุณเพียงแค่รู้สึกถึงเขาตั้งแต่ต้นจนจบ ฉันรู้สึกถึงเขาก่อนที่จะได้รับการยืนยันว่าเขาอยู่ในเส้นทาง ตอนนี้เรารู้แล้ว เราจะมาพูดถึงวิธีอันทรงพลังในการพันเสียงเบส ส่งสัญญาณ เรียกเสียงคร่ำครวญและเสียงครวญครางของคนอื่นๆ รอบตัวเขาไหม? ฮาร์โมนิคของเขา — ปล่อยให้พวกมันดังขึ้น
เครื่องสายที่เขาเล่นก่อนหน้านี้เป็นสัญญาณบ่งบอกถึงพลังทางจิตวิญญาณทั้งหมด ฉันชอบที่การโซโล่สองครั้งของเขาพร้อมกับการกลับมาสั้นๆ ของคณะนักร้องประสานเสียงที่หลอกหลอน เขาดำเนินการอย่างสูงส่งเหนือพวกเขา โดยให้เกียรติด้วยการขึ้นสู่สวรรค์อย่างต่อเนื่อง
พลวัต ความกว้าง วัฒนธรรมล้วนบรรยายถึงการมีอยู่ของเขา วิธีการของเขาเลียนแบบเสียงที่พูดว่า “ไม่เป็นไร ปล่อยมันออกไป เราจะพูดมันด้วยกัน เราจะไม่เป็นไร” เขาจะออกจากที่ว่างเพื่อทำเช่นนั้น เมื่อคุณฟังผ่านหูฟัง ฟังผ่านมอนิเตอร์ในสตูดิโอ คุณจะได้ยินความสุขที่กระพือปีกและความเบาของการโยนตัวของเขาตลอดแทร็กมากขึ้นอีกเล็กน้อย โดยปราศจากภาระหนักหน่วงของคำขอให้ “พาฉันกลับไปยังที่ที่เคยอยู่” ดังที่เห็นได้ชัดเจนในที่นี้ แรงดึงดูดและความสุขสามารถอยู่ในตัวเราได้ในคราวเดียว
Robin D.G. Kelley: ผู้เขียนชีวประวัติของเทโลเนียส มังค์
“Charlie M” โดย Art Ensemble of Chicago — Jazz Bass —
อัลบัม “Full Force” โดย Art Ensemble of Chicago เป็นแผ่นเสียงแผ่นแรกที่ผมซื้อ ตอนนั้นเป็นปี ค.ศ.1980 ผมอายุ 18 ปี และพยายามสอนตัวเองให้เล่นอัพไรท์เบส Charles Mingus และ Wilbur Ware กลายเป็นความหลงใหลของผม เมื่อผมได้ยินเพลง “Charlie M” เล่นโดยมือเบส Malachi Favours Maghostus ดึงดูดความสนใจของผม เลสเตอร์ โบวีแต่งขึ้นเพื่อรำลึกถึงชาร์ลส์ มิงกัส และความเชี่ยวชาญด้านเอฟเฟกต์เสียงจากทรัมเป็ตของเขาได้รับการแสดงอย่างเต็มรูปแบบ แต่มาลาคีรับท่วงทำนองตั้งแต่โน้ตแรก โดยเดินวางมาดไม่ใช่แค่เดินเป็นเส้นกลมๆ ใหญ่ๆ ผมจินตนาการว่าวงดนตรีมีปฏิกิริยาร่วมกันต่อวลีและการเลือกฮาร์โมนิกของมาลาคี ซึ่งเท่ากับความแปรผันของท่วงทำนอง
Joseph Jarman และ Roscoe Mitchell ถ่ายทอดเสียงแซกโซโฟน “เครื่องดนตรีชิ้นเล็กๆ” ที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ (นกหวีด แตรจักรยาน บล็อกไม้) ทำให้มีพื้นที่เหลือเฟือให้ได้ยินเสียงเบส โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อ Roscoe และ Joseph ทิ้งไว้เหลือ Malachi, Lester และมือกลอง Famoudou
ดอน มอย เข้าสู่บทสนทนาส่วนตัวของพวกเขา เพลงโซโลของ Malachi มีความไพเราะ ฟังกี้ และให้ความสำคัญกับเสียงเบสที่ต่ำกว่า ชวนให้นึกถึงเพื่อนชาวชิคาโก เพื่อนบ้าน และแนะนำไวเบอร์ แวร์ (Wilbur Ware) เมื่อใกล้ถึงจุดสิ้นสุดของเพลง วงดนตรีก็ชะลอจังหวะลง กลายเป็นโอกาสที่มาลาคีจะชักคันเบสออกมา สี่สิบสี่ปีแห่งการสำรวจตรวจค้น “Charlie M” และยังคงเป็นเพลงโปรดตลอดกาล เป็นการยกย่องมิงกัสอย่างเหมาะสม ดนตรีจากคนดำที่ยิ่งใหญ่ — จากโบราณสู่อนาคต
นิงัต พุทธประสาท: เรียบเรียง
